Módulo 62

Producción con una sola cámara   Por más de un siglo "Hollywood" ha hecho ver el trabajo de una sola cámara como si estuvieran varias simultáneamente en escena.  Como muchas cosas en el cine, es un poco de magia.   Al principio, los directores de cine no tenían opción; no había manera de sincronizar múltiples cámaras. Pero, lo que empezó como una limitación para el cine se convirtió en una ventaja creativa, una ventaja que las producciones de video con varias cámaras no comparten. Para mucha gente, el "look cinematográfico" es superior a lo que normalmente se ve en video. La diferencia es principalmente la manera cómo se hace un filme.

En la producción estilo cine, cada escena y ángulo de la cámara es preparado y ensayado hasta que el director esté completamente satisfecho. Los actores, directores de iluminación, técnicos de sonido, etc., solo tienen que concentrarse en una escena a la vez. Aunque es un proceso que consume mucho tiempo, da la oportunidad de lograr la máxima calidad técnica y artística.

En cambio, en los típicos dramas en video, los actores tienen que memorizar las líneas de una producción completa, y quizá hasta actuar toda la producción sin pausas. La iluminación, el audio, el maquillaje, etc. tienen que funcionar para planos enteros y close-ups, y para diversos ángulos de cámara.  Recordará de los módulos de iluminación, que la mejor iluminación está limitada a un ángulo de cámara. Las escenas y personas que serán tomadas e iluminadas desde tres o cuatro ángulos a la vez (como se hace comúnmente en producciones de video) se verán inevitablemente comprometidas en el proceso.  En la producción cinematográfica, pueden ser necesarias muchas tomas antes de que el director sienta que tiene la mejor posible. (Una toma es un segmento corto de la acción.) Aunque no es un práctica admirable, algunas escenas de filmes han sido tomadas más de cien veces hasta satisfacer al director. En el cine, las escenas se toman desde diferentes ángulos y a diferentes distancias, y los editores pueden subsecuentemente escoger entre bastantes tomas. El trabajo del editor unir las diversas tomas y escenas, dando la apariencia de una sola secuencia de acción continua fotografiada desde varios ángulos.  Con el cine, las decisiones de edición suelen extenderse por semanas o meses -- suficiente tiempo para reflexionar, experimentar y reconsiderar antes de tomar las decisiones definitivas.  Muy diferentes, las decisiones de edición en vivo o en video (liveONtape) se hacen en tiempo real, segundo a segundo. Pocas veces hay oportunidad de volver atrás, repensar y revisar. Para más diferencias entre cine y video haz click aquí.     Producción dramática al estilo cine Aunque las producciones de video de una sola cámara se han usado en noticias y documentales por años, su uso en producciones dramáticas ha sido limitado. Con la HDTV/DTV (TV de alta definición) y sus ventajas sobre el cine en post-producción y efectos especiales, esto sin duda cambiará. Aún hoy, para las películas hechas-para-televisión la cinta es inmediatamente transferida a video después del revelado, y todo el subsecuente trabajo de postproducción es hecho con la versión en video. Una de las ventajas de la producción de una sola cámara es que las escenas no tienen que ser tomadas en secuencia. (La secuencia se determina durante la edición.) Pocas veces la secuencia cronológica del guión es la más eficiente secuencia de rodaje.  En orden de importancia, debe considerarse lo siguiente cuando se planee realizar la secuencia de rodaje en una producción de una sola cámara: Todas las tomas que involucren talento/actores específicos (empezando por el mejor pagado) deben ser, en lo posible, tomadas lo más próximas en el tiempo, sin tomar en cuenta la secuencia del guión.  La totalidad de las tomas en una locación deben ser grabadas de una sola vez.  Todas la tomas que incluyan personal de producción específico deben ser grabadas en una misma sesión.  Todas las tomas que requieran equipo de producción especializado, como por ejemplo cámaras especiales, lentes, micrófonos, generadores, etc, deben ser realizadas al tiempo.  Como un ejemplo dramatizado, consideremos la siguiente escena. Una pareja se conoce, se enamora, contrae matrimonio y después de 20 años de casados comienzan a pelearse.  En un intento de comenzar de nuevo, deciden regresar al hotel donde pasaron su primera noche juntos. Desafortunadamente, uno de los esposos descubre que el otro tuvo otra cita romántica allí, y comienzan a discutir de nuevo, hasta que en un acto de rabia, termina asesinando a su pareja.  (De acuerdo, no es una linda escena, pero funciona para este ejemplo.) Para lograr mayor eficiencia en la filmación, es recomendable grabar las escenas de las peleas y discusiones en el mismo cuarto de hotel, y las del primer encuentro romántico de la pareja, el mismo día (podrás apreciar mejor el reto que tienen los actores).  Además, mientras montan las luces, los equipos de sonido, etc. puedes hacer tomas del affair que tuvo lugar en esa habitación.  Los cambios en la habitación del motel serán mínimos, excepto por el envejecimiento de las paredes, el mobiliario, etc. (asumiremos que los dueños no gastaron mucho dinero en redecorar). El mayor reto será envejecer adecuadamente a los actores. No hay que preocuparse, el maquillaje es bastante bueno para este tipo de cosas. En la versión final del filme, estas escenas estarán separadas por otros elementos de la historia. Pero, como verás, será mucho más eficiente si todas las escenas del motel son tomadas al mismo tiempo.   La toma maestra (master shot) Cuando se hace video dramático con una sola cámara, se aplican muchas convenciones del cine. Una de estas, es el uso del "cover shot" (llamado "master shot" en el cine) el cual es un plano de conjunto que muestra la escena completa o área de actuación.  Esta toma es útil para mostrar al espectador la geografía general de la escena y para conectar los saltos de continuidad durante la edición. Más específicamente, el master o cover shot es usado para: Mostrar cambios grandes en los elementos básicos de la escena o centro de interés.  Abarcar movimientos considerables del talento, incluyendo entradas y salidas de actores.  Periódicamente recuerda al espectador  la geografía de la escena, (se le llama toma de re-establecimiento). Cuando es necesario durante la edición para cubrir momentáneamente la acción y no hay un buen close up o plano medio disponibles.  En video dramático y producción cinematográfica muchos directores comenzan por hacer una toma de principio a fin de la escena desde la perspectiva del master shot.  Una vez que esta toma está lista, el director reposiciona la cámara para los planos medios y close ups de los diversos actores. Oara esto, los actores repiten de nuevo todo su diálogo. Acomodar la cámara en diferentes ángulos y distancias a menudo requiere cambios en la iluminación, la posición de los micrófonos y a veces hasta maquillaje. Algunos directores graban o filman las escenas al contrario: close ups y planos medios primero y luego, el master shot. De cualquier manera que lo hagas, la serie de puestas en escena y cambios técnicos es comúnmente llamada coverage. Este es un buen momento para hacer notar que algunos términos pueden tener diferentes significados en cine y video; así que no te sorprendas de ver algunos de estos términos usados de maneras diferentes. Como ejemplo de la escena que hemos estado discutiendo, consideremos la escena del restaurante donde el hombre del matrimonio en problemas le pide matrimonio a la mujer. Las posiciones de tre cámaras son en realidad una cámara que se mueve a cada posición. Aunque los directing approaches podrían variar, veamos una posibilidad.  Primero, hacemos una toma del diálogo entero de la escena con la cámara en la posición #1. Podemos usar este plano como master o plano de establecimiento.  Y luego usarlo en cualquier momento que necesitemos reestablecer la escena, cubrir malas tomas en las otras posiciones de cámara o simplemente introducir variedad visual. El siguiente paso, hacemos una toma de la escena completa desde la posición #2. Desde allí, podemos hacer planos sobre el hombro o close ups. Finalmente hacemos lo mismo con la cámara en la posición #3.  Como nota complementaria en esta bastante simplificada escena, si escondemos el micrófono en las flores que están en la mesa, nuestro audio será consistente en cada toma, lo que significa que podemos utilizar el audio de esa manera para cualquier ángulo de la cámara. Normalmente, un micrófono direccional es reposicionado para cada ángulo de cámara y el micrófono funciona bien para una sola persona.  Los actores deben tener en cuenta que deben hacer los mismos movomientos de la misma manera con las mismas palabras en su diálogo. De otra forma, cuando hagamos los cortes en acción tendremos problemas con los saltos de edición intentando unir diferentes tomas.  Cuando terminamos, tenemos al menos tres versiones completas de la escena para escoger en la edición. La selección obvia sería usar un close up de cada persona mientras hablan, pero a veces una toma de reacción dice más. Por ejemplo, si ya sospechamos que el hombre está a punto de pedir matrimonio, podría ser mejor tener un close up de la reacción de la mujer cuando el lanza la pregunta. Mientras estamos en eso, quizá querramos hacer planos de detalle del anillo, las copas de vino chocando mientras brindan, elc. para usarlos como planos de INSERT SHOTS.   Trabajando con actores y talento Parte del arte de dirigir es obtenerde los actores su máximo desempeño ante la cámara. Un buen director encuentra el punto óptimo entre forzar a los actores a seguir su propia exacta interpretación y darles libertad absoluta de hacer lo que les parezca. El punto óptimo entre los dos extremos depende en gran medida de la experiencia de los actores y la personalidad del director.  Durante los ensayos y prelecturas (sesiones de grupo informales donde los actores inicialmente leen sus líneas) los directores deben onservar cuidadosamente la caracterización que los actores están desarrollando. Aunque el director está a cargo y es responsable de obtener el desempeño que desea, los directores con experiencia limitada con actores querrán "hilar fino" hasta entender el proceso de actuación y la personalidad de actores específicos. Directores con experiencia actoral tienen definitivamente una ventaja.    Creando la acción Durante los ensayos el director decide sobre las acciones básicas y secundarias de los actores (las secundarias son aquellas asociadas a las escenas, como preparar un trago, hojear una revista, etc.).  Los guiones generalmente no describen estas acciones secundarias, pero éstas pueden influenciar tiros de cámara, puestas en escena y la edición. Producción con una cámara vs. múltiples cámaras La producción con una cámara, con un enfoque tipo cine , ofrece muchas ventaja creativas imporantes, especialmente en la producción de dramáticos. Como veremos en la próxima sección, este enfoque también es valioso para noticias y documentales.  Pero este enfoque también consume mucho tiempo, y en TV el tiempo es dinero.  Cuando limitaciones de tiempo o presupuesto requieren un enfoque más rápido y eficiente, el productor de video debe confiar en la producción con múltiples cámaras. Lectura asignada: The Quintessential Element in video production. En este punto de los módulos ya deberías estar bien equipado para producir algunos buenos videos. Como un pequeño repaso de algunos puntos importantes estas 12 normas para mejores Videos deben ser de ayuda.